A música aquática

“Música aquática” é uma peça composta por George Frideric Handel. Sua estréia foi em 17 de julho de 1717, em resposta ao pedido do Rei George I para um concerto no Rio Tamisa. A música foi composta para uma orquestra relativamente grande, tornando-a adequada para apresentações ao ar livre. Ela se inicia com uma abertura francesa e inclui minuetos, bourrées e hornpipes. Está dividida em três suítes e talvez seja a obra mais famosa do compositor alemão.

Acredita-se que Handel compôs a peça em retribuição a um favor do Rei George I. Handel tinha sido empregado pelo futuro Rei George antes de esse suceder ao trono britânico. O compositor supostamente caiu em desgraça por se mudar para Londres durante o reinado da Rainha Anne. Esta história foi relatada pela primeira vez pelo biógrafo de Handel, John Mainwaring; embora possa ter algum fundamento na verdade, a história contada por Mainwaring foi posta em dúvida por alguns estudiosos de Handel.

A gravação sob a regência de Trevor Pinnock é seguramente a minha preferida da obra.

Sindicato dos Tecelões

“Sindicato dos tecelões” é uma pintura a óleo de 1662 de Rembrandt. Atualmente é propriedade do Rijksmuseum em Amsterdã.  A peça é conhecida como o último grande retrato coletivo do artista. Os homens (com a exceção de Bel, que é um atendente) são inspetores eleitos para avaliar a qualidade do tecido que os tecelões ofereciam para venda aos membros de sua guilda. Seus mandatos de um ano no cargo começavam na Sexta-Feira Santa e eles deveriam realizar suas inspeções três vezes por semana. A palavra holandesa staal significa “amostra” e refere-se às amostras de pano que foram avaliadas. Havia quatro graus de qualidade, o mais alto era indicado pressionando quatro selos e o menor pressionando apenas um. Os homens, que estão avaliando um pedaço de tecido persa são (da esquerda para a direita): Jacob van Loon (1595–1674), Volckert Jansz (1605 ou 1610–1681), Willem van Doeyenburg (ca. 1616–1687) ,Frans Hendricksz Bel (1629–1701), Aernout van der Mye (ca.1625–1681), Jochem de Neve (1629–1681). A guilda que encomendou este retrato a pendurou até o ano de1771.

 

Giulio Cesare in Egitto

 

Giulio Cesare in Egitto é uma ópera em três atos de Handel composta em dezembro de 1723 e que teve sua estreia em 20 de fevereiro de 1724 no King’s Theatre em Londres, quando a carreira lírica do compositor estava no auge. A primeira montagem da ópera contou com vários cantores de renome na época.

O enredo retrata alguns personagens como indivíduos fortes e complexos, o que permitiu a Handel jogar com um amplo leque emocional. César é mostrado na ópera como o típico grande herói, comparado a Hércules (ou Alcide, no libreto italiano). Cleópatra tem uma personalidade multifacetada, revelando astúcia política, capacidade de sedução, força e emotividade. Ptolomeu (ou Tolomeo, no libreto italiano), irmão de Cleópatra é o grande vilão, traiçoeiro, lascivo e usurpador. Cornélia e Sexto, seu filho com Pompeu, mostram personalidades bem mais estáticas e seus papéis giram continuamente em torno do sofrimento com a morte do esposo (no caso de Cornélia) e o desejo de vingança contra Ptolomeu (no caso de Sexto).

A ópera foi reapresentada cerca de dez vezes entre janeiro e fevereiro de 1725. Na ocasião, o autor fez diversas modificações, reduzindo alguns recitativos e diminuindo ainda mais a importância dos papéis de Cúrio e Nirenus, que se tornou um personagem silencioso. Mas Nirenus acabou ganhando mais destaque em novas mudanças na mesma temporada. Giulio Cesare voltou a ser encenada em Londres por nove vezes entre janeiro e março de 1730, incluindo novas modificações do autor como árias adicionais para Cleópatra. Outras quatro apresentações ocorreram em fevereiro de 1732.

 

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Indico a peça executada sob a regência de dois grandes maestros: René Jacobs e Marc Minkowski.

A Ronda Noturna

“A ronda noturna” é uma pintura de 1642. O quadro faz parte do acervo do Museu de Amsterdã, mas é proeminentemente exibido no Rijksmuseum como a pintura mais conhecida em sua coleção. A peça é famosa por três coisas: seu tamanho, o uso dramático de luz e sombra e a percepção do movimento em uma pintura que teria sido, tradicionalmente, um retrato estático de grupo.

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A pintura foi concluída em 1642, no auge da Idade de Ouro Holandesa. Nela temos o Capitão Frans Banning Cocq (vestido de preto, com uma faixa vermelha) e seu tenente, Willem van Ruytenburch (vestido de amarelo, com uma faixa branca). Com o uso efetivo da luz do sol e da sombra, Rembrandt chama a atenção para os três personagens mais importantes da multidão: os dois cavalheiros do centro (dos quais a pintura recebe seu título original) e a mulher no centro-esquerda frango.

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As figuras são quase do tamanho real. Rembrandt exibiu o emblema tradicional dos arcabuzeiros de maneira natural, com a mulher ao fundo carregando os símbolos principais. Ela é uma espécie de mascote; as garras de uma galinha morta no cinto representam os clauweniers (arquebusiers), a pistola atrás do frango representa o trevo e ela está segurando o cálice da milícia. O homem à sua frente está usando um capacete com uma folha de carvalho, um motivo tradicional dos arcabuzeiros. O frango morto também deve representar um adversário derrotado. A cor amarela é frequentemente associada à vitória.

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Dixit Dominus

 

Dixit Dominus é um moteto composto por Handel em 1867. Nele, o compositor alemão usou o texto latino do Salmo 110 (Vulgata 109), que começa com as palavras Dixit Dominus (“O Senhor Disse”).

O trabalho foi concluído em abril de 1707, quando Handel morava na Itália. A peça é marcada por cinco solistas vocais, cinco partes de coro, cordas e continuo. É muito provável que o trabalho tenha sido realizado pela primeira vez em 16 de julho de 1707 na Igreja de Santa Maria em Montesanto, sob o patrocínio da família Colonna.

Texto da peça em latim:

Dixit Dominus Domino meo:
Sede a dextris meis, donec ponam inimicos tuos scabellum pedum tuorum.

Virgam virtutis tuae emittet Dominus ex Sion:
dominare in medio inimicorum tuorum.

Tecum principium in die virtutis tuae splendoribus sanctorum.
Ex utero ante luciferum genui te.

Juravit Dominus et non paenitebit eum:

Tu es sacerdos in aeternum secundum ordinem Melchisedech.

Dominus a dextris tuis,
confregit in die irae suae reges.

Judicabit in nationibus,
Implebit ruinas, conquassabit capita in terra multorum.

De torrente in via bibet,
propterea exaltabit caput.

Gloria Patri, et Filio, et Spiritui Sancto,
Sicut erat in principio, et nunc, et semper, et  in saecula saeculorum. Amen. 

Recomendo vivamente a gravação sob a regência de Marc Monkowski. É seguramente uma das coisas mais belas que já ouvi em toda a minha vida.

A lição de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp

 

“A lição de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp” é uma pintura a óleo sobre tela de 1632 de Rembrandt que faz parte do acervo do Museu Mauritshuis em Haia, na Holanda. A pintura é considerada uma das primeiras obras-primas de Rembrandt. As aulas de anatomia eram um evento social no século XVII, ocorrendo até mesmo em teatros, com estudantes, colegas e público em geral autorizados a participar mediante o pagamento de uma taxa de entrada.

Na pintura notamos que os espectadores estão apropriadamente vestidos para a ocasião. Acredita-se que as figuras mais altas (que não estão segurando o papel) e as mais à esquerda foram adicionadas à cena posteriormente. A cada cinco ou dez anos, a Associação dos Cirurgiões encomendava um retrato e Rembrandt foi contratado para essa tarefa quando tinha 26 anos e havia acabado de chegar a Amsterdã. Foi sua primeira grande encomenda na cidade. Cada um dos homens incluídos no retrato teria pago uma certa quantia de dinheiro para ser incluído no trabalho, e os números mais centrais (neste caso, o Dr. Tulp) provavelmente pagavam mais, até o dobro.

O retrato anatômico feito por Rembrandt alterou radicalmente as convenções do gênero, incluindo um cadáver inteiro no centro da imagem e criando não apenas um retrato, mas uma dramática Mise-en-scène. Falta uma pessoa: o Preparador, cuja tarefa era preparar o corpo para a lição. No século XVII, um cientista importante como o Dr. Tulp não estaria envolvido em trabalhos manuais e sangrentos como dissecação, e tais tarefas seriam deixadas para os outros. É por esse motivo que a imagem não mostra instrumentos de corte. Em vez disso, vemos no canto inferior direito um enorme livro aberto sobre anatomia, possivelmente o De humani corporis fabrica (Tecido do Corpo Humano) escrito em 1543 por Andreas Vesalius.

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Israel no Egito

 

Handel residia há muito tempo em Londres e desfrutara de grande sucesso como compositor de óperas italianas. No entanto, em 1733, uma companhia de ópera rival, a Ópera da Nobreza, havia dividido o público da ópera italiana em Londres. Não houve apoio suficiente para duas companhias de ópera italianas e Handel começou a encontrar novas audiências através da apresentação de oratórios e outros trabalhos corais em inglês.

O oratorio Saul, com um texto de Charles Jennens, foi apresentado no King’s Theatre em janeiro de 1739, e para a mesma temporada Handel compôs Israel no Egito, escrevendo a música entre 1 de outubro e 1 de novembro de 1738. Israel no Egito é um dos dois únicos oratórios de Handel com texto compilado de versículos da Bíblia, o outro sendo o Messias.

O libretista de Israel no Egito é incerto, mas a maioria dos estudiosos acredita que Charles Jennens seja o autor de ambos os textos. Israel no Egito e Messias compartilham a característica incomum entre os oratórios de Handel em que não há elencos de personagens que cantam dialogando e realizando um drama não encenado, mas contêm muitos refrões de textos bíblicos.

Ao compor Israel no Egito, naquela que já era sua prática comum, Handel reciclou músicas de suas composições anteriores e também fez uso extensivo da paródia musical, o retrabalho da música de outros compositores. Israel no Egito estreou no King’s Theatre de Londres, no Haymarket, em 4 de abril de 1739, com Élisabeth Duparc, William Savage, John Beard, Turner Robinson, Gustavus Waltz e Thomas Reinhold em seus papéis principais.

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Há duas versões que recomendo da obra:

Sob a regência de John Eliot Gardiner, com o Coro Monteverdi; e sob a regência de Andrew Parrott, com o Coro Taverner.