Retrato de um Homem Velho

Nesta pintura de 1645 Rembrandt voltou sua atenção para a temática da velhice, um tema recorrente em sua obra. A identidade da figura na pintura é, no entanto, desconhecida. O traje rico que ele está vestindo não dá nenhuma indicação da ocupação ou status social do velho. Pelo contrário, parece ser um acessório pertencente ao estúdio do pintor que ele usou como um elemento decorativo.

Em um estilo altamente intimista, a obra une a simplicidade holandesa com o gosto italiano por cores quentes. Realista, expressivo, denso e emocionalmente sugestivo, o retrato revela uma nova forma de narração pictórica através da qual o espectador entra em contato com o espaço espiritual habitado pela figura.

Rembrandt Portrait of an Old Man, 1645 (5)

 

Retrato de Família

Na fase final de sua carreira, parecia que Rembrandt não estava mais preocupado com convenções. Enquanto seus antigos alunos adotaram há muito tempo um estilo de pintura mais suave, Rembrandt deu um passo adiante; fez pinturas notavelmente tenras de pessoas que claramente se amavam. Nunca antes, na História da Arte, a intimidade e o amor combinavam tão bem com manchas ásperas e manchas de tinta rebocadas. Não só isso ainda nos atrai hoje, mas alguns de seus contemporâneos também adoraram este ousado trabalho tardio do velho mestre.

A cena de uma família retratada em trajes históricos ou exóticos não é o que distingue esse trabalho. Muitos pintores estavam fazendo isso na época, mas esta pintura tardia de Rembrandt supera todos os outros retratos de família no calor que você sente ao contemplar a tela. O bebê tocando o peito da mãe é cativante. Para enfatizar esse gesto carinhoso, Rembrandt teve a ideia de deixar a blusa cair aberta, de modo que a mão do menino entra em contato com a pele de sua mãe.

Sindicato dos Tecelões

“Sindicato dos tecelões” é uma pintura a óleo de 1662 de Rembrandt. Atualmente é propriedade do Rijksmuseum em Amsterdã.  A peça é conhecida como o último grande retrato coletivo do artista. Os homens (com a exceção de Bel, que é um atendente) são inspetores eleitos para avaliar a qualidade do tecido que os tecelões ofereciam para venda aos membros de sua guilda. Seus mandatos de um ano no cargo começavam na Sexta-Feira Santa e eles deveriam realizar suas inspeções três vezes por semana. A palavra holandesa staal significa “amostra” e refere-se às amostras de pano que foram avaliadas. Havia quatro graus de qualidade, o mais alto era indicado pressionando quatro selos e o menor pressionando apenas um. Os homens, que estão avaliando um pedaço de tecido persa são (da esquerda para a direita): Jacob van Loon (1595–1674), Volckert Jansz (1605 ou 1610–1681), Willem van Doeyenburg (ca. 1616–1687) ,Frans Hendricksz Bel (1629–1701), Aernout van der Mye (ca.1625–1681), Jochem de Neve (1629–1681). A guilda que encomendou este retrato a pendurou até o ano de1771.

 

A Ronda Noturna

“A ronda noturna” é uma pintura de 1642. O quadro faz parte do acervo do Museu de Amsterdã, mas é proeminentemente exibido no Rijksmuseum como a pintura mais conhecida em sua coleção. A peça é famosa por três coisas: seu tamanho, o uso dramático de luz e sombra e a percepção do movimento em uma pintura que teria sido, tradicionalmente, um retrato estático de grupo.

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A pintura foi concluída em 1642, no auge da Idade de Ouro Holandesa. Nela temos o Capitão Frans Banning Cocq (vestido de preto, com uma faixa vermelha) e seu tenente, Willem van Ruytenburch (vestido de amarelo, com uma faixa branca). Com o uso efetivo da luz do sol e da sombra, Rembrandt chama a atenção para os três personagens mais importantes da multidão: os dois cavalheiros do centro (dos quais a pintura recebe seu título original) e a mulher no centro-esquerda frango.

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As figuras são quase do tamanho real. Rembrandt exibiu o emblema tradicional dos arcabuzeiros de maneira natural, com a mulher ao fundo carregando os símbolos principais. Ela é uma espécie de mascote; as garras de uma galinha morta no cinto representam os clauweniers (arquebusiers), a pistola atrás do frango representa o trevo e ela está segurando o cálice da milícia. O homem à sua frente está usando um capacete com uma folha de carvalho, um motivo tradicional dos arcabuzeiros. O frango morto também deve representar um adversário derrotado. A cor amarela é frequentemente associada à vitória.

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A lição de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp

 

“A lição de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp” é uma pintura a óleo sobre tela de 1632 de Rembrandt que faz parte do acervo do Museu Mauritshuis em Haia, na Holanda. A pintura é considerada uma das primeiras obras-primas de Rembrandt. As aulas de anatomia eram um evento social no século XVII, ocorrendo até mesmo em teatros, com estudantes, colegas e público em geral autorizados a participar mediante o pagamento de uma taxa de entrada.

Na pintura notamos que os espectadores estão apropriadamente vestidos para a ocasião. Acredita-se que as figuras mais altas (que não estão segurando o papel) e as mais à esquerda foram adicionadas à cena posteriormente. A cada cinco ou dez anos, a Associação dos Cirurgiões encomendava um retrato e Rembrandt foi contratado para essa tarefa quando tinha 26 anos e havia acabado de chegar a Amsterdã. Foi sua primeira grande encomenda na cidade. Cada um dos homens incluídos no retrato teria pago uma certa quantia de dinheiro para ser incluído no trabalho, e os números mais centrais (neste caso, o Dr. Tulp) provavelmente pagavam mais, até o dobro.

O retrato anatômico feito por Rembrandt alterou radicalmente as convenções do gênero, incluindo um cadáver inteiro no centro da imagem e criando não apenas um retrato, mas uma dramática Mise-en-scène. Falta uma pessoa: o Preparador, cuja tarefa era preparar o corpo para a lição. No século XVII, um cientista importante como o Dr. Tulp não estaria envolvido em trabalhos manuais e sangrentos como dissecação, e tais tarefas seriam deixadas para os outros. É por esse motivo que a imagem não mostra instrumentos de corte. Em vez disso, vemos no canto inferior direito um enorme livro aberto sobre anatomia, possivelmente o De humani corporis fabrica (Tecido do Corpo Humano) escrito em 1543 por Andreas Vesalius.

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Estudo do Artista

Nas escolas criadas por Charlotte Mason, os estudantes eram colocados em contato com obras de um mesmo artistas visual por um trimestre inteiro. Portanto, esse estudo do artista é indicado para crianças a partir dos seis anos de idade. Os passos são os seguintes:

– Escolha um artista;

– Escolha de 6 a 8 obras desse artista;

– Deixe cada uma dessas obras em locais de fácil visualização por uma semana;

– Dê algumas informações básicas sobre o artista, sem alongar-se;

SE necessário, dependendo do interesse do estudante, dê uma breve explicação sobre a obra de Arte da semana;

– Peça para a criança narrar o quê está vendo.

A cada estudo do artista é importante proporcionar ao estudante um tempo para observar a obra estudada sem interrupções ou discussões. É necessário que a criança ou o adolescente tenha um tempo para fazer suas próprias ponderações.

Após esse primeiro momento observando a obra de Arte você pode pedir para que o estudante a descreva. Depois de um tempo de prática narrando a obra, também há a opção de escondê-la e pedir para que a criança ou o adolescente descreva a mesma.

No caso de crianças que ainda não estejam em idade escolar, é possível deixar uma obra de Arte exposta em algum lugar de fácil visualização da casa, trocando a cada semana. Também é possível colocar a criança em contato com bons livros de Arte para que ela observe e admire boas obras. O que não é indicado é o estudo do artista tal qual é feito com estudantes em idade escolar.

Ao longo de seus escritos, Charlotte Mason nos dá pistas de seus artistas preferidos. Um deles é Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Nascido na Holanda em 1606, destacou-se na pintura, na gravura e no desenho. Um mestre inovador, é considerado um dos maiores nomes da História da Arte. Filho de dono de moinho, tanto o pai (igreja reformada) como a mãe (católica) eram religiosos. Ele logo cedo demonstrou tendência para a pintura.

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“A volta do filho pródigo” está entre os trabalhos finais do mestre holandês, e acredita-se que tenha sido concluída nos dois anos antes de sua morte, em 1669. A pintura é repleta de detalhes. Nela percebemos uma característica forte nas obras dos pintores holandeses da época: pouca luminosidade.

Temos o abraço do pai no filho mais novo como destaque. O filho pródigo é mostrado maltrapilho, descalço, despojado de sua dignidade. O abraço do pai demonstra toda a ternura e o perdão, e é esse amor que dá o tom e toda a grandiosidade do quadro. Também vemos o filho mais velho, mas esse está em segundo plano junto aos empregados e não demonstra a mesma alegria do pai.

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